El gólem en el cine (1915-1980): Una lección de arte, filosofía e historia.

Nota: En nuestros artículos renunciamos al uso de la Inteligencia Artificial. A ver si se va a despertar y rompe cosas. En parte de eso va el gólem. Además nos acogemos a la licencia Creative Commons (Atribución-Compartir igual). Somos unos jipis y nos gusta hacer cosas con barro.

Hacer un recorrido por las versiones fílmicas de la secular leyenda del gólem es todo un curso de cine. Muchos conceptos que parecen muy recientes como guión adaptado, spoof (parodia), remake (nueva versión) o plagio existen desde los albores del séptimo arte y esta historia sirve de ejemplo ilustrativo. Por otro lado permiten observar cómo mitologías tenidas como excepcionales, caso de la judeocristiana, en realidad son remakes (je je) de otras anteriores (1). Repasaremos varias obras, desde la trilogía clásica de Wegener comenzada en 1915, hasta la metafísica Golem del polaco Szulkin (1980).

 

El mito hebreo del gólem se fue conformando añadiendo elementos desde el conocimiento de la palabra golim (materia en bruto), que aparece en el Salmo 139 de la Biblia. El término se fue utilizando como oposición a un ser entero, con espíritu, que solo puede establecer el Dios único y todopoderoso que se conforma en la tradición judeocristiana por asimilación de culturas vecinas, como la Egipcia y algunas mesopotámicas. Después, a lo largo de época medieval, se iría perfilando la idea algo vaga de la posibilidad de crear autómatas a través de ciertos rituales. Estos implicarían el conocimiento de alguno de los nombres de Dios (poderoso elemento cabalístico también presente en la película π, ópera prima de Darren Aronofsky) o el uso mágico de la palabra Emet (“verdad”) para la activación pero también para la desconexión del ser, borrando la primera letra y dejando así el vocablo Met (“muerte”). Habrá que esperar a la llegada de Gustav Meyrink, quien no era judío pero estaba familiarizado con las conexiones de la leyenda vinculada al rabino Loew Ben Bezalel de Praga, para que con su novela El Gólem (1915 como libro, pero publicada antes por entregas) estandarizara la historia siguiendo criterios esotéricos. Aunque todas las versiones fílmicas de la historia toman elementos de Meyrink, ninguna es una adaptación fiel. Tal vez porque como señaló el director Paul Wegener, el primero en llevarla al celuloide, en el cine “la poesía está en la cámara”. 

 

Póster de la película de 1915.

LA TRILOGÍA DE PAUL WEGENER (1915-1920)

Este director es considerado como uno de los exponentes del cine expresionista, en gran medida copado por la producción alemana de comienzos del siglo XX y los míticos estudios de la UFA (aún existentes) en Babelsberg-Potsdam. Wegener comentaba que mientras rodaba una de sus versiones de El estudiante de Praga conoció la leyenda del gólem. Se familiarizó con la novela de Meyrink, que tuvo un gran éxito para su época, pero cogió elementos de aquí y de allá para potenciar lo que consideraba crucial en el ámbito fílmico: la primacía de la imagen. Así llegó Der Golem en 1915. De esta obra se conservan solo unos pocos minutos pero ya queda claro que la filosofía de primacía visual está muy bien desarrollada con lo poco que tenemos, como la caída del monstruo (interpretado por Wegener) desde lo alto de una torre.

 

Póster e imagen conservada de El Gólem y la bailarina (1917)

La primera versión de la historia fue un éxito y a su creador se le ocurrió hacer una parodia. Así es como llego en 1917 Der Golem und die Tänzerin (El Gólem y la bailarina). Por desgracia está perdida, algo muy habitual en el cine mudo, pero se conserva el guion, que es un locurón. En la historia una bailarina va al cine para ver la exitosa Der Golem y el director, que casualmente pasaba por allí, se enamora de ella. La muchacha no le hace caso pero como está encantada con el personaje, el pretendiente se disfraza de monstruo para enamorar a su amada y de paso provocar unos cuantos equívocos. Cervantes con Don Quijote de la Mancha había establecido el metalenguaje y en gran medida la parodia en la literatura. Ahora estos conceptos llegaban al cine y la película fue otro éxito. El “Breslauer Zeitung” por ejemplo señalaba: “Hay muchas risas en este encantador Capriccio de cuatro actos”. Como suele decirse, encantó a público y crítica.

 

Crítica del Breslauer Zeitung (con fecha del 15 de julio de 1917). Accesible a través de filmportal.de

 

Y si tenemos el guión adaptado del 15 y la parodia del 17, en el año 20 llegó la nueva versión o remake. Considerando Wegener que su primera obra estaba muy constreñida por cuestiones presupuestarias y de producción en general, realizó una nueva película más personal, Der Golem. Wie er in die Welt kam (El Gólem. Cómo llegó al mundo). Siguió algunos elementos narrativos de la primera cinta pero cambiándola a la época del rabino Loew. Por suerte está completa y es uno de los mejores exponentes conservados de cine mudo con tintes expresionistas y de terror. Una verdadera delicia que sigue demostrando virtuosismo técnico a día de hoy. Algo que por supuesto no pasó desapercibido a las nacientes industrias de la época, como la estadounidense, de modo que otras obras maestras de la época bailaron en la fina línea entre homenaje y plagio. El ejemplo más claro lo constituye el Frankenstein de 1931 dirigido por James Whale y protagonizado por Boris Karloff.

 

 Póster de la película de 1920 donde están claros los elementos expresionistas, movimiento que supuso una reacción a la ordenada burguesía de la época.

El episodio de la niña no está ni en la novela de Mary Shelley ni en la de Gustav Meyrink. Los elementos estéticos de los dos “monstruos” en las películas también tienen similitudes.

 

LE GOLEM (DUVIVIER, 1936)

No deja de llamar la atención que a día de hoy siga conservando derechos de autor. Más teniendo en cuenta que el director fue demandado por los guionistas (Voskovec y Werich) que habían realizado una obra de teatro sobre el mito y que no fueron reconocidos en algunos elementos de la historia, la cual venía a ser una continuación de la de 1920. Al respecto, en el libro Down from the Attic: Rare Thrillers of the Silent Era through the 1950s por  John T. Soister y Henry Nicolella, se puede leer:

 

“El éxito (…) del Gólem llevó al director francés Duvivier a encargar a la pareja [de escritores checos] la escritura de un guion. Sin embargo eliminó a los personajes del guion que recibió, y cambió el género así como la orientación del original. Sin embargo mantuvo partes del texto sin dar atribución, lo que desató otra batalla legal respecto al gólem que al final ganaron los artistas checos” (Traducción propia).

 

Póster de la película de 1936.

 

IT! CURSE OF THE GOLEM (J. LEDER, 1967)

Esta película también es muy interesante para ejemplificar algunos elementos de la historia del cine. Por esta época teníamos a la británica Hammer logrando un gran éxito con su aproximación, un tanto camp sumando toques eróticos, a los monstruos clásicos que ya había explorado desde otros parámetros la Universal (Frankenstein, Drácula). Por otro lado, directores como Hitchcock estaban revolucionando el cine a través de novedosas estrategias narrativas, siendo uno de los mejores ejemplos las sorpresas que desvelaba la historia contenida en Psicosis (Psycho, 1960). La maldición del Gólem es un magnífico caso de película subida al carro de las modas de la época, con una mezcolanza nada disimulada de elementos que tenían éxito. Es aburrida pese a los esfuerzos del actor Roddy Mac Dowall —más conocido por ser César en la saga de El planeta de los simios— e incluso por elementos de comedia involuntaria, como en algunas muertes un tanto ridículas y por el hecho de que un perturbado se encuentre con la posibilidad de manejar al Gólem a su antojo, entre otras cosas para ligar. Con todo merece la pena por estudiar lo que suponía una exploitation de otras épocas. En este caso por una productora (Seven Arts) un tanto desconocida en la actualidad pero que tiene en su haber clásicos como ¿Arde París? (Clément, 1966), Lolita (Kubrick, 1962) o Siete días de mayo (Frankenheimer, 1964).

 

Son muy de la época los carteles que parecen un manual de instrucciones.

Madre muerta a la que se viste y se deja en una silla. ¿A qué me suena esto? La versión de la historia se podía llamar “Norman Bates se encuentra con el Gólem”

 

 GOLEM (SZULKIN, 1980)

La versión de la historia más interesante junto a la trilogía inicial es esta, desarrollada en Polonia por el director Piotr Szulkin. La Ciencia ficción de los países del este de Europa tiende a ser un tanto desconocida, aunque en algunos casos con la potencia suficiente como para que no tuviera que envidiar a la producida en otros lugares. Puede ser el caso de Письма мёртвого человека (Cartas de un hombre muerto, Lopushansky, 1987) o esta versión del gólem, que tiene muy poderosas reminiscencias de la literatura de Kafka, máximo exponente de la cultura de lengua alemana en Praga, y del género distópico. Unos cuantos elementos visuales y narrativos aprovechan aquí partes de la historia de Meyrink para establecer una historia sobre la identidad y la dificultad de distinguir entre la realidad cierta, de existir esta, y la sensible. Son características muy difíciles de llevar al cine que estaban en la novela de 1915 y el director polaco las lleva a su obra con maestría. Ecos de todo esto podemos encontrar en obras muy posteriores como The Matrix (Wachowski, 1999) o Dark (2017-2020, Bo Odar-Friese) ésta además con referencias a la leyenda del gólem, como sus ciclos de aparición cada 33 años, por citar un par de los muchos en los que se podría pensar.

 

Póster de Gólem de 1980. Desde luego, una obra para darle a la cabeza (guiño-guiño) y gran complemento de la novela de Meyrink.

 

EN CONCLUSIÓN

Algunas historias nos han acompañado desde siempre como especie. El gólem establece, a partir del reconocimiento de la idea de una divinidad omnipotente a través de influencias entre diversas culturas, una diferencia clara entre el ser completo y el autómata inanimado o copia vacía. De ahí a las grandes preguntas sobre qué constituye la voluntad o el espíritu vital —o incluso si este tiene algún significado— había solo un paso que esta historia ha ido recorriendo en sus diversas manifestaciones. Si Mary Shelley “inventó” el género de la Ciencia ficción con su causalidad científica y lo desarrolló con un “monstruo” más humano que los propios humanos, el gólem —sobre todo a través de su sistematización por Meyrink— se introducirá en ese naciente género a través del autómata. Hijo del gólem es el robot (término aparecido por primera vez en 1920 en la obra de Kapek R.U.R.), que exigirá por méritos propios su lugar en las historias de Ciencia ficción. Y en múltiples derivadas incluidas las más existenciales, como la desarrollada por Mamoru Oshii en los bellos animes que elaboró dentro del universo de Ghost in the Shell, también con referencias explicitas al gólem en la segunda parte (Innocence, 2004). Sin olvidar elementos políticos, pues el Gólem ha sido visto como ejemplo de tecnología muy poderosa de gran poder destructivo. Si a esto le sumamos el hecho de que la traslación de este mito prometeico al cine es una lección de historia del mismo, incluyendo innovaciones como las de Wegener, el conocimiento de este arquetipo permite saber más sobre nosotros, nuestro arte y nuestra identidad como especie y si esta puede ser ampliada al conjunto de la naturaleza. Casi nada.

 NOTAS

(1) Fundamentalmente la egipcia y babilónica (Frankfort, Irvin. 1954).

(2) Para un desarrollo detallado de la narrativa de los androides desde arquetipos como el del gólem, ver Deckard (2020).

 

 

QUIERS APRENDER ARAGONÉS? / ¿QUIERES APRENDER ARAGONÉS?

 

 

¿QUIERE SABER MÁS?

 

—IRWIN, W. y FRANKFORT, H. A. (1954) El pensamiento prefilosófico. Vol. 2: Los hebreos. Obra que sigue siendo imprescindible para contextualizar el surgimiento de la idea de un Dios monoteísta todopoderoso a partir de un panteón previo, debido a elementos aculturizadores provenientes de la sociedad egipcia y mesopotámica hacia la hebrea.

 

—Capítulo de Podcaliptus Bonbon dedicado al Gólem:

https://www.ivoox.com/podcaliptus-8-x-12-el-mito-del-golem-audios-mp3_rf_77121291_1.html

 

—DECKARD, V.(2020). Los antropoides artificiales en la Ciencia ficción [Robots y cíborgs. Líneas narrativas y obras imprescindibles]:

https://blogcaliptusbonbon.blogspot.com/2020/05/los-robots-en-la-ficcion-dos-vias-hacia.html/

 

—Ver Der Golem. Wie er in der Welt kam (Wegener, 1920): 

—Ver Le golem (Duvivier, 1936):

 

 

 

David Lynch: el valor de su filmografía [influencias, contexto y legado]

Nota: en nuestros artículos renunciamos al uso de inteligencia artificial. En los centros de datos hay mucho sonido de electricidad y David avisaba de lo que pasa cuando lo oímos.

 

 

Hace un año que perdimos al gran Lynch. Pero su obra sigue siendo útil para comprender nuestro mundo. Al fin y al cabo dijo que su objetivo era describir lo que sucedía tras las puertas de entrada a esas casas unifamiliares de barrios residenciales, bien pintadas y con jardines cuidados al milímetro. En el artículo doy algunas claves para comprender mejor su obra y que no  se suelen poner de manifiesto: su vinculación con las vanguardias de comienzos del siglo XX, la asunción reconocida a la crítica de la identidad kafkiana, y el uso de la estética del barroco con fines simbólicos. Enlazo así mismo el cortometraje Meshes of the Afternoon (1943), de estética y contenido muy en la línea que siguió posteriormente el autor —de manera reconocida— en algunas de sus obras más importantes.

 

Lynch. Un tipo que siempre tuvo clase.

 

 Normalmente, cuando uno termina una película de David Lynch se pregunta: ¿qué narices significa toda esta movida? Con la entrada de hoy voy a tratar de enlazar la obra de este genial director con determinadas corrientes culturales que van a servir en un doble salto mortal no solo para comprender mejor su obra, sino además ser conscientes de que en realidad describe nuestro mundo cotidiano. Vaya lío, ¿no? A ver si lo conseguimos.

EL FINAL DEL SIGLO XIX “LARGO” Y EL NACIMIENTO DE LAS VANGUARDIAS

Acotar periodos históricos no es tarea fácil. Los procesos sociales no tienen un punto de corte claro. Un sistema no muere subitamente y de repente surge uno nuevo o, dicho de otro modo: un ser humano no se acuesta medieval por la noche para amanecer moderno (salvo los hípster). Es por eso que las acotaciones temporales para ordenar la historia deben de cogerse muy con pinzas y ni siquiera sirven para todos los marcos geográficos culturales. En cualquier caso, os voy a hablar aquí de un espacio histórico —y su final— que ha venido a llamarse siglo XIX “largo”, por durar más de cien años. No es este lugar para explicarlo con detalle, basta decir que en Europa tras 1789 con la Revolución Francesa la sociedad cambia de élites culturales, ideológicas y políticas. La nobleza ya no manda tanto y las clases altas burguesas, con una riqueza proveniente de los negocios y —poco después— de la naciente Revolución Industrial, viene a ocupar su lugar.

Un cambio de paradigma social trae aparejado uno moral. En el tema que nos ocupa y aunque uno de los núcleos principales radicó en Francia, el ámbito anglosajón tuvo mucho que decir. La hegemonía mundial va a estar ligada a partir de ahora a unas élites protestantes que, como ya señalaron autores de la talla de Max Weber, son extraordinariamente conservadoras. La Inglaterra Victoriana o los rígidos modelos mentales prusianos son referentes en el  mundo del siglo XIX. Si a todo eso le sumamos una aplicación de la ciencia ligada a las nuevas formas de producción industrial, nos da un "consciente colectivo" (1)  que se creía preparado para explicar cualquier faceta de la realidad. Con estos preceptos las élites burguesas europeas se lanzaron a la conquista del mundo. El colonialismo, la intensa industrialización y la resistencia a una verdadera igualdad social que añadiera a los más desfavorecidos, como los individuos que conformaban la gran masa obrera, fueron algunos de los elementos más representativos en la conformación de su nuevo orden. Todo podía ser medido, reglado o -en caso de estorbo- reprimido, pero sus propias contradicciones llevaron a que, efectivamente en algo más de un siglo, su mundo saltara por los aíres literalmente en las trincheras de la I Guerra Mundial. A nivel general no se es consciente del trauma que supuso la Gran Guerra, como se la conoció entonces. No obstante, la cultura viene a nuestro rescate, y en algunas obras puede verse el punto de inflexión. Una de mis favoritas es La montaña mágica de Thomas Mann (Der Zauberberg, 1924). 

 

De nuevo una forma de ver el mundo caía y llegaba la crisis. Es en ese momento cuando surgen las denominadas vanguardias de principios del siglo XX. Si las clases pudientes habían establecido una ideología, o superestructura en término de Marx —se le puede citar y no ser aficionado a la Unión Soviética, damas y caballeros—, basada en ya no la aspiración, sino en la certeza de que todo lo que nos rodea podía ser explicado, controlado y dominado, incluida la naturaleza, los nuevos artistas visto el desastre al que las élites habían llevado al mundo, ponen en duda todo eso. La percepción subjetiva, descripciones de la realidad a través de mundos no reglados como el onírico, así como la provocación apelando a la duda o mediante temas tabú para las clases gobernantes (por ejemplo el sexo o la iconoclastia) se manifiestan con fuerza en el ámbito artístico. Múltiples escuelas, incluso contradictorias en diversos aspectos, surgirán en esta ola. No podía ser de otra manera debido a su aspiración de ruptura con lo formal: dadaístas, surrealistas, expresionistas, entre otros muchos. La posmodernidad, que se reforzará con el siguiente desastre que traerá un nuevo conflicto bélico, había llegado. Curiosamente, este ataque que también se dirige al plano de la ciencia, encajará mejor con el nuevo paradigma científico que ahora va a girar en torno a conceptos como relatividad o indeterminación. ¿No podrían incluso estos términos ser perfectamente nombres para nuevas corrientes artísticas?. Acabaran llegando incluso gatos que existen y no existen al mismo tiempo. ¡La locura máxima!

Muestra de la vanguardia expresionista en el cine. El gabinete del Dr. Caligari (Das Kabinett des Dr. Caligari, Robert Wiene, 1920). Una arquitectura tan funcional como la de Calatrava, pero mucho antes.

En esta tradición cultural se inscribe David Lynch. Como Picasso, que nos enseñó a mirar al mismo tiempo desde diferentes ángulos un objeto o persona, el cine de Lynch nos muestra como un evento puede tener diversas explicaciones, incluso contradictorias. O ninguna si aún no tenemos las preguntas adecuadas. En Carretera Perdida (Lost Highway, 1997) o en Mullholand Drive (2001) “huele a muerto”, que dirían Millán y Josema. Historias clásicas del género negro alrededor de temas tradicionales como los celos o el poder, presentan aquí un punto de vista intensamente subjetivo, de emoción, de sensaciones. ¿Menos real? Al contrario, los eventos importantes de una vida humana, más si son trágicos, dejan en los individuos una impronta psicológica que puede ser contundente, traumática y de sentimientos desatados. Incluso contradictorios, pero, ¿no somos todos un mar de contradicciones? Incluso la vilipendiada Inland Empire (2006) nos puede sumergir en un torrente de sensaciones (para mucha gente incluso la de querer darle un puñetazo al director) si renunciamos, algo nada fácil pero tal vez necesario, a su comprensión en el plano más consciente.

Más vanguardia con El año pasado en Marienbad. Observen que los árboles no dan sombra. Buenas madrugadas, Íker.

El autor que nos ocupa no ha estado solo en este devenir. Podemos rastrearlo en Buñuel, el cine expresionista alemán o en obras que claramente dejan en la habitación roja de nuestro interior un aroma similar, como El año pasado en Marienbad (L'Annèe dernière à Marienbad. Alain Resnais, 1961). Gracias al libro de Dennis Lim David Lynch. El hombre de otro lugar he llegado hasta Un falso despertar (Meshes of the Afternoon, 1943) de Maya Deren, inspiración reconocida para Carretera Perdida y Mullholand Drive. Lynch ha manifestado alguna vez que no conoce la obra de Buñuel, pero Deren sí, por lo que indirectamente la obra del director de Calanda está también en la del estadounidense. Todo está relacionado. Laépoca final de la obra de Lynch, incluyendo la mucho tiempo esperada tercera temporada de Twin Peaks (A Limited Event Series, 2017) junto con su comienzo a través de Cabeza Borradora (Eraserhead, 1977) es lo que más se puede vincular con este marco de vanguardia.

Meshes of the Afternoon. ¿Preparados para flipar? Engage!

EL PROBLEMA DE LA IDENTIDAD Y LOS DESTRUCTORES DE LO COTIDIANO. FRANZ, CALIENTA QUE SALES

Como hemos visto, es cierto que la sociedad nos marca sicológicamente en la conformación de nuestros valores y en la oposición a otros. Sin embargo no debemos olvidar que, y es algo también recordado por la filmografía de Lynch, cada individuo es un universo y su propia experiencia marcará su estructura mental. En ese sentido otro referente claro de Lynch es el gran Franz Kafka, quien marcó un antes y un después en la literatura universal, siendo todavía complicado clasificarlo a día de hoy. Pero ¿no será eso precisamente uno de los elementos que lo hacen maravilloso? Veamos.

Kafka tuvo, como muchos de los grandes cronistas, un problema con el concepto de identidad. Nacido en el seno de uno de los grandes imperios del siglo XIX, el Austrohúngaro (pronunciarlo con la boca llena de polvorones tiene que ser la hecatombe) y en una familia judía con un padre autoritario, siempre tuvo muchos problemas para encontrar su lugar en el mundo. Por eso sus páginas no están exentas de dudas, angustia y sin embargo —en otro punto que lo une con Lynch—de un humor macabro, gran instrumento este último para deconstruir certezas. Ya que la autoridad competente nos enseña quienes somos, o mejor dicho quien debemos ser a través de conceptos como patria, nación o religión, ¿qué puede ser más revolucionario que reírse de eso? A través de un mundo en derrumbe y de una existencia atormentada, el autor checo nos enseñó a mirar con espíritu crítico a nuestro alrededor. Otros grandes lo siguieron, no siendo menor la aportación de las letras hispanas gracias a titanes como Jorge Luís Borges, Adolfo Bioy Casares, Julio Cortázar, Sara Mesa o Carmen Martín Gaite. También en el plano fílmico, en ocasiones directamente desde obras de Kafka, como fue el caso de Orson Welles con la estremecedora El proceso (The Trial, 1962). Lynch va a estar muy presente en esta corriente kafkiana, en ocasiones de forma evidente e incluso en claro homenaje, como demuestra la presencia del retrato del bueno de Franz en el despacho de Gordon Cole en la mencionada tercera temporada de Twin Peaks,  o cuando usa reiteradamente en sus películas un motivo clásico de este autor, la metamorfosis o transformación (2).

Detalle del retrato de Kafka en el despacho de Cole. 

 

EL ARTE BARROCO Y EL TEATRO DEL MUNDO

Confiesen, las iglesias barrocas les parecen un pestiño. Nos gustan más esas larguísimas columnas góticas o las proporciones románicas que nos armonizan con el universo, o que —allá cada uno con sus movidas— tratan de reflejar el esplendor divino sobre todas las cosas. Pero la iconografía barroca tiene un gran valor, ante el cual David Lynch no parece inmune. Voy a tratar de explicarlo y encima dando otra vuelta de tuerca, ¿qué mejor en el tema que nos ocupa? Si en los dos apartados anteriores señalaba corrientes artísticas rompedoras, o incluso revolucionarias con respecto al paradigma anterior, lo contrario ocurre con el Barroco. "Pero no, pero sí", que es como se nos queda el cuerpo tras ver las pelis de Lynch. La cosa es que estaba Carlos I de España, V de Alemania como se suele decir, todo contento con ser el rey del mambo —aparte de emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, a lo Dune— cuando al final de su reinado se le empezaron a complicar las cosas. Entre otros motivos por unos tipos que se quejaban, como no podía ser de otra cosa porque se llamaban protestantes. Interesante giro del destino hubiera sido que quienes se llamaban así estuvieran de acuerdo en todo con todos. En fin, que por no aburrirles mucho, hubo un pim pam pum y tras alguna derrota, firma el tratado de Augsburgo en 1555, fecha fácil de recordar incluso para mi desastrosa memoria. Si se abre un libro de historia de los de la escuela franquista, que dan mucha risa pero por los mismos motivos que el cine malo, pone que Carlos ganó todas las batallas , como la Guerra de Vietnam, que según cierto cine se perdió en los despachos por los cabrones burócratas de Washington. Pero lo cierto es que le dieron pal’ pelo y tuvo que ceder en lo que se denominó libertad religiosa. Que ni libertad ni nada, oigan. Básicamente la cosa terminó en que si el principe de tu región decía que eras protestante, pues tú protestante y si decía que eras católico, pues a callar y tú católico. Y si te revolvías, palazo en la cabeza, como supieron unos cuantos campesinos que se sublevaron y fueron sangrientemente reprimidos con la aquiescencia de Lutero. Parecía bueno, ¿eh?

 

 

La cosa es, que después de este rapapolvo, el mundo católico decidió rearmarse ideologicamente para atar en corto a sus súbditos en un proceso que se denomina "contrarreforma". Y ahí el barroco jugó un papel crucial, con su idea de que el mundo es un gran teatro, la vida es sueño —hola, Calderón— y lo que importa es el más allá, oculto e imperceptible para nuestros limitados sentidos e imperfecciones, que no nos alcanzan a contemplar la gloria de Dios hasta que la palmemos (si hemos sido buenos, claro). Da igual si estamos fastidiaos, si sufrimos injusticias, si nuestro jefe no nos deja teletrabajar —el muy mamón—. ¡No pasa nada! Ya llegaremos a la gloria, paciencia hermanos, no os quejéis, que llegará la eternidad de los daiquiri en la playa. Si se entra en una iglesia barroca se asiste a una gran representación de todo esto, con elementos muy idiosincráticos de por ejemplo el teatro —recordemos que es la gran época del teatro del Siglo de Oro en España—. Son muy reprentativos los retablos, a los que todos los elementos ornamentales invitan a mirar. Y fíjense, ahí están las cortinas: el telón que separa lo real de lo ficticio, viviendo nosotros —en una tradición muy platónica de la que se aprovechó el catolicismo— en un mundo artificial sin que sepamos ver el real. Este tipo de iconografía está muy presente en la obra de Lynch. Acordémonos de las famosas cortinas rojas, de los ángulos rectos, incluso la aparición simbólica de representaciones de los episodios más sangrientos de la tradición cristiana. Un ejemplo es la crucifixión con la muerte del personaje de Andy en Carretera perdida (3). gracias a la señora Milton por hacer que me diera cuenta de este dato).

Un retablo barroco estándar. Discretito e informal.

 

CONCLUSIÓN: VIVA LO DESCONOCIDO (Y LOS TUPÉS)

En fin, después de toda esta perorata, creo que se puede afirmar que parte de lo magnífico de la obra de Lynch descansa en el poder de lo ignoto, gracias a que representa con una personalidad y estilo propios unas tradiciones culturales que nos invitan a dejar de lado todas las respuestas. En primer lugar, las vanguardias del siglo XX ponen en valor la duda, el no darlo todo como cierto y en que eso incluso es un elemento crucial en el avance científico. En segundo lugar, gracias a los demoledores de la identidad implantada, comenzando por Kafka y acabando por Lynch, podemos poner en duda los valores establecidos por el poder, que no necesariamente tienen que ser los más beneficiosos para los individuos; y, finalmente, el director envuelve todo esto con una ornamentación que nos recuerda que nuestros sentidos pueden engañarnos e impedir ver otras realidades. Todos estos son elementos potentes, que no todo el mundo es capaz de manejar para crear arte. Pero lo mismo pasa con un tupé, a muchos no siempre sienta bien, pero a Lynch le dió prestancia. Por algo será.

NOTAS:

(1)Concepto que manejó Jung para explicar la cosmovisión dominante en una sociedad dada y tan interesante como el más famoso de inconsciente colectivo.

 

(2) En los últimos años se ha debatido sobre si es más correcta la traducción de Die Verwandlung, que es el título original, como "transformación" que como "metamorfosis". Uno de los máximos defensores del primer término en España ha sido Jordi Llovet, quedando el título como La transformación en la edición que tradujo para Penguin. Otros académicos apuestan por continuar con el término "metamorfosis".

 

(3) Gracias a la Sra. Milton por hacer que me diera cuenta de este dato en el pódcast de Torpedo Rojo sobre la película. 

 

El artículo se acoge a la licencia Creative Commons (atribución, compartir igual). 

David Lynch: el valor de su filmografía [influencias, contexto y legado] © 2026 by Víctor Deckard is licensed under CC BY-ND 4.0                  

 

¿QUIERE SABER MÁS? 

 

—DECKARD, V. Los problemas derivados de la revolución industrial y la conformación del espíritu obrero, tomando como ejemplo el ludismo:  La historia explicada. El ludismo (s. XIX): uno de los forjadores del movimiento obrero. Relevancia, análisis histórico y legado político-cultural. Disponible en línea.

https://blogcaliptusbonbon.blogspot.com/2026/07/la-historia-explicada-el-ludismo-s-xix.html 

 

 —DECKARD, V. Artículo sobre Sara Mesa, otra autora con personalidad propia, pero que se podría adscribir a algunos de los puntos reflejados en el artículo:

https://blogcaliptusbonbon.blogspot.com/2026/02/suena-sara-mesa-con-ovejas-electricas.html 

 

—LIM, D. David Lynch. El hombre de otro lugar. (Alpha Decay, 2017).

 

 —LYNCH, D. Atrapa el pez dorado. Meditación, conciencia y creatividad. (Reservoir Books, 2014).

 

—VALENCIA, J. J. Universo Twin Peaks. (Dilatando Mentes, 2018). 

 

—Pódcast sobre toda la filmografía de David Lynch:

https://www.ivoox.com/podcaliptus-7-x-15-todo-david-lynch-audios-mp3_rf_64687270_1.html  

 

—Pódcast sobre el arte barroco y su significado:

 https://www.ivoox.com/11-x-16-el-barroco-me-pone-to-audios-mp3_rf_137940015_1.html  

 

 —Pódcast sobre Carretera perdida:

https://www.ivoox.com/torpedo-rojo-6x01-carretera-perdida-con-audios-mp3_rf_50441266_1.html 

 

—Pódcast sobre la tercera temporada de Twin Peaks:

https://www.ivoox.com/podcaliptus-5-x-01-volvemos-a-twin-peaks-audios-mp3_rf_28858676_1.html  

 

 —Pódcast sobre las dos primeras temporadas de Twin Peaks:

https://www.ivoox.com/podcaliptus-2-x-17-especial-twin-peaks-serie-audios-mp3_rf_10349604_1.html